La segunda edición del Festival Internacional de Música de las Alturas (FIMA) volverá a reunir en Perú a músicos de los Andes, los Alpes y el Himalaya para fomentar la música de montaña en Lima, Cuzco y por primera vez Cajamarca, informaron hoy sus organizadores en un comunicado. El certamen se celebrará entre el 11 y 16 de marzo con intérpretes de Suiza, India, Austria, Colombia, Argentina, Italia y Perú, entre otros países.

Perú reunirá músicos de Andes, Alpes e Himalaya en el Festival de Altura

El certamen se celebrará entre el 11 y 16 de marzo con intérpretes de Suiza, India, Austria, Colombia, Argentina, Italia y Perú, entre otros países.

El festival permite acercarse a las culturas de montaña (Cortesía)

EL UNIVERSAL

lunes 18 de enero de 2016  03:49 PM

Lima.- La segunda edición del Festival Internacional de Música de las Alturas (FIMA) volverá a reunir en Perú a músicos de los Andes, los Alpes y el Himalaya para fomentar la música de montaña en Lima, Cuzco y por primera vez Cajamarca, informaron hoy sus organizadores en un comunicado.

El certamen se celebrará entre el 11 y 16 de marzo con intérpretes de Suiza, India, Austria, Colombia, Argentina, Italia y Perú, entre otros países.

Los conciertos en Lima se darán entre el 11 y 13 de marzo en el Parque de la Exposición, mientras que el Teatro Municipal de Cuzco acogerá músicos de Italia e India el día 15, y en la jornada siguiente en Cajamarca, a 700 kilómetros al norte de Lima, actuarán músicos de Suiza, Austria, Colombia y Perú.

Para la nueva edición del FIMA destaca la participación del grupo peruano Serranova, con el emblemático clarinete cajamarquino, los suizos Geschwister Küng acompañados por el dulcimer Nicolas Senn, y Bipul Kumar Ray y su cuarteto de India, con el santur himalayo de cien cuerdas.

La directora del FIMA, Liana Cisneros, aseguró que la segunda edición del certamen ofrecerá una nueva gama musical que permitirá acercarse nuevamente a las culturas de montaña del mundo "después del éxito de la primera edición, celebrada en noviembre de 2014".

"Estamos muy felices de llegar este año a Cajamarca, una región con una gran riqueza musical, cultural y artística", señaló Cisneros.

El festival también organizará conferencias internacionales en el auditorio del Museo de Arte de Lima (Mali) el sábado 12 y el domingo 13 de marzo.

Uno de los conversatorios tratará las raíces de la música de montañas con la participación del director del festival Alpentöne de Suiza, Johannes Rühl, el músico peruano Leo Casas, el embajador de India en Perú, Sandeep Chakravorty, y el coordinador de Cultura de la Unesco Enrique López-Hurtado.

Son pocos los estrenos teatrales con los que reabren sus puertas las salas caraqueñas. Varios de los montajes que llenaron butacas en 2015 y casi las mismas propuestas infantiles estarán en la programación del primer semestre del año que comienza.

Las artes escénicas comienzan con programación repetida

Esperancita inaugurará la temporada de La Caja de Fósforos

Las propuestas de jóvenes directores y una revisión de la dramaturgia contemporánea estadounidense están entre las novedades teatrales. En danza, el Centro Cultural Chacao presentará viejas temporadas pero renovadas

MARÍA ANGELINA CASTILLO
MCASTILLO@EL-NACIONAL.COM19 DE ENERO 2016 - 12:01 AM

Son pocos los estrenos teatrales con los que reabren sus puertas las salas caraqueñas. Varios de los montajes que llenaron butacas en 2015 y casi las mismas propuestas infantiles estarán en la programación del primer semestre del año que comienza.

Serán principalmente los festivales que organizan Trasnocho Cultural y La Caja de Fósforos los que ofrecerán historias nuevas. En el Espacio Plural comenzó la segunda edición del evento que reta a los jóvenes directores, así está en funciónComo agua para chocolate dirigida por Julián Izquierdo; le siguen: La excepción y la regla, La escala humana, Los amantes inconstantes, La vida es sueño y Gorditas.
Al teatro ubicado en el Paseo Las Mercedes volverá Sangre en el diván con Héctor Manrique. Mientras que Skena volverá a montar Enemigo del pueblo y el musical El mago de Oz. 

En la caja negra de la Concha Acústica de Bello Monte estará en los próximos meses el II Festival de Teatro Contemporáneo Estadounidense, dedicado a la multiplicidad de culturas. Comenzará con El proyecto Laramie de Moisés Kaufman. 

Pero la programación la inaugurará Esperancita, de Ricardo Nortier y dirigida por Carolina Torres. Vendrán El loco y la camisa de Nelson Valente, presentada por Diana Volpe, y una versión del Mahabharata, el libro religioso de la India.

Otra de las reposiciones será La cocinera, de Eduardo Machado que le valió el premio de la crítica a su directora Rossana Hernández. Las funciones comienzan el viernes en el Centro Cultural BOD. Allí también se presentan Crónicas desquiciadasy La historia en pelotas. 

Para los niños estarán hasta el domingo Ratón y Vampiro en El cumpleaños del fantasma, dirigida por Vyana Preti. Las funciones son en el Teatro de Chacao, donde también se escenificarán El feo y El pie de la virgen.

En Teatrex –en sus sedes de El Hatillo y El Bosque– ofrecerá para los niños Juanchito y el misterio de los juguetes y Luna gatuna; mientras que para adultos volverán Venezolanos desesperados y Memoria del silencio de Ago Teatro, compañía que también presentará Pájaros mojados en el Teatro Santa Fe. 

Y en Los Naranjos, Teatro Premium habrá piezas como El reino de Bambina, y La princesa Venecia y el misterio de los 7 soles, para los niños. Los adultos podrán ver Más allá de la terapia y La curva de la felicidad. 

El Urban Cuplé presenta, entre otras, Despedida desastre y ¿Y si pedimos comida china? Las infantiles serán: Pequeños científicos, Sirenas, Un mundo perdido y La pandillita del coral.
En el ámbito oficial, el Centro Nacional de Teatro producirá Peludas en el cielo de Gustavo Ott, con la que finaliza el año conmemorativo de César Rengifo.

Un lugar para la danza

Poco se verá el ballet en la escena en 2016. Las escasas muestras que se mantienen latentes aún buscan su lugar en los teatros. Algunas solo podrán verse después del primer trimestre del año. 

Pero el Centro Cultural Chacao y el Teatro Teresa Carreño llevan la delantera en la programación de espectáculos relacionados con este arte. En enero será un grupo extranjero el que inaugurará la Sala Ríos Reyna. Se trata de Mi sueño, del Grupo de Artistas con Discapacidad de China, que se presentará el 29 y 30 de enero. 

La compañía celebrará el año nuevo chino combinando su folklore con las disciplinas clásicas occidentales. Mientras que cerrará el año con el tradicionalCascanueces, con coreografía de Vicente Nebrada.
La academia de Nina Novak todavía no tiene espectáculos programados, pero sí organizará las presentaciones de graduación de sus estudiantes. Las muestras se realizarán en junio y septiembre. “La danza seguirá trabajando cada día pese a la dificultad que aún persiste de conseguir espacios adecuados para nuestros espectáculos”, expresa Novak. 

Para enfrentar esta carencia, el Centro Cultural Chacao dará un lugar especial al arte del movimiento. Una propuesta coreográfica se estrenará en dos renovadas temporadas de Danza entre manos del 21 de abril y el 1° de mayo, y de 17 al 27 de noviembre. 

En el teatro se presentará el Ballet de las Américas de Stella Quintana del 15 al 19 de junio y se realizará el Concurso Internacional de Ballet del 7 al 10 de julio. Y la sala La Viga estará disponible por primera vez para la danza con Al fin solo, unitario de Luis Armando “Yayo” Castillo, que será del 26 de febrero al 13 de marzo. 

El productor muisical venezolano Pablo Manavello murió este domingo en la ciudad de Miami, Estados Unidos, a los 65 años de edad.

Pablo Manavello, la pluma musical de la Generación Halley

El compositor y productor de éxitos de los 80, falleció a los 65 años de edad

El músico venezolano, fundador de la banda Los Memphis, impulsó carreras de artistas de la talla de Ricardo Montaner CORTESÍA

MARÍA GABRIELA FERNÁNDEZ B. , JOSÉ G. MÁRQUEZ |  EL UNIVERSAL

martes 19 de enero de 2016  12:00 AM

Una sola pluma se ocultaba detrás de buena parte de los hits que marcaron el ritmo de la década de 1980 en Venezuela. Con el impulso de la disquera Sonorodven y, luego, del de su propio prestigio, el guitarrista, compositor y productor italo venezolano Pablo Manavello hizo suyos los sonidos de cada generación y dejó su huella en varios de los temas que contaron con más reproducciones en las radios hispanas.

Ricardo Montaner, Kiara, Melissa, Servando y Florentino, y hasta Shakira y Luis Fonsi, contaron con la producción de discos o composición de temas de Manavello, un hombre que brilló en cada una de las facetas en las que incursionó en la industria musical.

Manavello, quien falleció este domingo en Miami, Estados Unidos -donde residía hace años-, nació el 21 de mayo del 1950 en Treviso, Italia, y comenzó su carrera musical en Venezuela en 1965 como guitarra líder del grupo de rock Los Memphis, siendo un adolescente, lo que no le impedía tocar en locales nocturnos.

El músico y productor Alejandro Blanco Uribe recuerda la época en la que un Manavello menor de edad debía ocultarse de la policía, como cuando el grupo se presentaba, todas las noches durante 10 meses, con Renato Salani y Antonio Vesci en el club Hipocampo. A su juicio, la variedad de repertorio que interpretó en esa época le permitió obtener a Manavello una memoria musical que luego se reflejó en cada una de sus composiciones. "Era un gran músico muy disciplinado. Perdimos a uno de los primeros buenos guitarristas de rock y pop en el país".

Tras participar en un par de agrupaciones, Manavello emprendió un rumbo de triunfos como solista (con temas como Comenzó a cantar, El rock de Caracas oLa danza de las hojas) y composiciones que abarcaron bandas sonoras en la gran pantalla y jingles.

A pesar de que musicalmente no fueron de la misma época, la cantante Karina asegura estar conmocionada por la partida de Manavello, quien ya ejercía como un prolífero productor cuando ella alcanzó la cima de su carrera. "Mi experiencia con él fue muy breve, pues él era productor de otros artistas. Sin embargo, coincidíamos en producciones especiales de Sonorodven y de Venevisión como, por ejemplo, las preventas o los especiales de navidad; todo eso lo hacía Pablo".

La intérprete de Sé cómo duele califica a Manavello como "uno de los más grandes productores de Venezuela", sobre todo, de "La generación Halley", esos artistas que dieron vida a la escena musical local en los años 80. "Somos de una época dorada y todos formamos parte de ese dream team de la música pop venezolana".

"Él era un tipo brillante, gracioso, culto. Había viajado por el mundo; era una persona muy precisa con sus palabras, muy simpático. Pero la vida es un momentito. Aquí en Miami nos vimos muy pocas veces, pero siempre le guardé mucho cariño y mucho respeto".

El docente y compositor austriacovenezolano Gerry Weil recuerda que Manavello fue "un talentoso estudiante de música" y lo califica como "un guitarrista que ayudó a introducir la guitarra rockera en el experimento de fusionar música clásica y pop popular, en el proyecto de Vytas Brenner".

Precisamente, el guitarrista Álvaro Falcón, miembro fundador de la banda Aditus, recuerda que estudió junto a Manavello en el Berklee College of Music y, si bien aclara no haber trabajado nunca en el mismo proyecto, por tocar ambos la guitarra, recuerda que una de las primeras veces que lo vio tocar fue con Los Memphis, en los 60, en el I Festival Pop de Venezuela. "Para 2016 esperábamos la gira que iba a hacer con Ofrenda, el grupo que tenía con Brenner. También iba a presentar una obra sinfónica suya", comenta. "Se pierde a una persona muy talentosa que todavía podía haber aportado su talento y su calidad para la música de Venezuela".

Murió el compositor venezolano Pablo Manavello

El compositor nació el 21 de mayo de 1950 en Treviso, Italia | pablomanavello.com

El productor musical trabajó con artistas nacionales como Ricardo Montaner, Kiara y Guillermo Dávila. También produjo para artistas internacionales de la talla de Carlos Vives, Olga Tañón, Chayanne, Luis Fonsi, Shakira, Lorca, entre otros

EL NACIONAL WEB18 DE ENERO 2016 - 03:47 PM

El productor muisical venezolano Pablo Manavello murió este domingo en la ciudad de Miami, Estados Unidos, a los 65 años de edad.

Artistas y empresas de la industria musical manifestaron su pesar por la muerte del también compositor y arreglista a través de Twitter. La Academia Latinoamericana de Grabación y Emporio Group se unieron a los mensajes de pésame. 

Manavello, de origen ítalo-venezolano, trabajó con artistas nacionales como Montaner, Kiara y Guillermo Dávila. También produjo para artistas internacionales de la talla de Carlos Vives, Olga Tañón, Chayanne, Luis Fonsi, Shakira, Lorca, entre otros.

El reconocido compositor venezolano nació en Treviso, Italia, el 21 de mayo de 1950. Estudió en Berklee College of Music en Boston y se graduó Cum Laude con una licenciatura en Film Scoring (Música para cine). También fundó la famosa agrupación venezolana “Ofrenda”, junto a Vytas Brenner. 

Pablo Manavello se fue a componer al cielo

El músico y productor ítalo-venezolano falleció en Miami a los 65 años.

Manavello falleció en Miami, a los 65 años (Cortesía)

EL UNIVERSAL

lunes 18 de enero de 2016  03:08 PM

¿Qué habría sido de muchos cantantes si no es por la música y el trabajo de producción de Pablo Manavello? Voces como las de Kiara, Ricardo Montaner, Guillermo Dávila, la música de Vytas Brenner, contaron con el talento del compositor, arreglista, intérprete y productor musical que falleció hoy 18 de enero en Miami a los 65 años de edad.

Manavello nació en Roma el 21 de mayo de 1950, y su nombre fue conocido en la esfera musical de América Latina, siempre ligado a artistas como Ricardo Montaner, Chayanne, Shakira, Ricky Martin, Soraya, Melissa, Ignacio Peña y Paralamas, entre otros. Ha producido más de 50 trabajos musicales de diferentes artistas, además de la banda sonora de seis películas y tres series de televisión.

También produjo y arregló para artistas latinoamericanos como Carlos Vives, Olga Tañon, Chayanne, Luis Fonsi, Vos Veis, Lorca, Alberto Plaza, entre otros.

La noticia se difundió a través de las redes sociales, donde sus colegas reaccionaron a la noticia. Gerry Weil (‏@Navijazz2016) escribió "Una gran pérdida, sentido pésame. Conversamos en diciembre gracias a la cortesía tuya Orlando. Paz a su alma", y la misma Academia Latinoamericana de Grabación (‏@LatinGRAMMYs) expuso: "La Academia Latina de la Grabación lamenta profundamente el fallecimiento de Pablo Manavello, amigo y gran maestro".

Otros también postearon: Emporio Group (‏@EmporioGroup), "Lamentamos el fallecimiento de Pablo Manavello, músico, compositor y productor musical venezolano. Paz a su alma". Mientras que Ricardo Montaner (@montanertwitter) dijo: "Mi estilo musical fue parido X Pablo Manavello, dsd #LaCimaDelCielo hasta #LaGloriaDeDios hemos escrito y disfrutado la música y la vida".

Pablo Manavello fue un músico de lo experimental y lo comercial

Pablo Manavello es coautor de temas como “Casi un hechizo”, “Mal de amor” y “La cima del cielo”

El guitarrista y compositor trabajó con figuras del rock y pop como Vytas Brenner, Ricardo Montaner, Jerry Rivera y Voz Veis

HUMBERTO SÁNCHEZ AMAYAEl Nacional19 DE ENERO 2016 - 12:01 AM

“Mi estilo musical fue parido por Pablo Manavello, desde ‘La cima del cielo’ hasta ‘La gloria de Dios’ hemos escrito y disfrutado la música y la vida”, fue uno de los mensajes de Ricardo Montaner en Twitter tras anunciar la muerte, a los 65 años de edad, del compositor.

Ocurrió el domingo en Miami, donde estuvo residenciado en los últimos años el artista nacido en Italia el 21 de mayo de 1950. En los años sesenta, residenciado en Venezuela, comenzó su carrera musical como guitarrista líder de Los Memphis, agrupación a la que también perteneció el fallecido Charlie Spiteri.  Luego, en los albores de la siguiente década, integró el grupo Sangre. Poco después conoció a Vytas Brenner, con quien forma Ofrenda, que se caracterizó por fusiones con ritmos tradicionales. En ese período se lanzan álbumes como Hermanos, Jayeche y Ofrenda.

A finales de los setenta, Manavello inició una carrera como solista, en la que publica seis discos: Cosas sencillas (1978), Un día de otoño (1980), Mi fantasía (1981), Una mirada hacia adentro (1982), Gota de fuego (1985) y En concreto (1989).  

Varias estrellas del pop venezolano de los ochenta, además de Montaner, trabajaron con el artista, que se graduó en Berklee College of Music de Boston. Con Montaner trabajó como productor en Ricardo Montaner (1987), Ricardo Montaner 2(1988), Un toque de misterio (1990), Una mañana y un camino (1994), Todo y nada (2005) y Viajero frecuente (2012). 

A partir de los noventa empezó a trabajar también como productor, arreglista o compositor de figuras como Yolandita Monge, Jerry Rivera, Carlos Mata, Kiara, Guillermo Dávila, Soraya, Cristian Castro, Carlos Vives, Servando y Florentino, René y Renny, Sandino Primera, Alejandro Montaner –hijo de Ricardo Montaner–, Bertín Osborne, Olga Tañón, Nito Mestre, Voz Veis y Luis Fonsi. 

En redes sociales varios artistas de diversas generaciones y géneros lamentaron la muerte de Manavello, entre ellos el productor Rudy Pérez, Paul Gillman, además de la Academia Latina de la Grabación.

Pablo Manavello - La Danza De Las Hojas - YouTube

▶ 3:32

https://www.youtube.com/watch?v=LVma7kuIvXI

25 jul. 2015 - Subido por VzlaVinil

Pablo Manavello - La Danza De Las Hojas. VzlaVinil ... La Danza del Venado Palacio de Bellas Artes Mexico ...

Hasta ahora el Centro Autónomo de Cinematografía tiene 26 películas con producción venezolana en su cronograma de estrenos para 2016, que incluye tanto ficción como documentales, algunas de reciente filmación y otras que son promesa desde hace años.

La incertidumbre acompaña los estrenos nacionales

Luis Fernández es el protagonista de Tamara, que se podrá ver desde el 13 de mayo

Hay largometrajes que aún no se sabe cuándo llegarán a la cartelera, así como otros proyectos que tienen años en espera

El Nacional

18 DE ENERO 2016 - 12:01 AM

Hasta ahora el Centro Autónomo de Cinematografía tiene 26 películas con producción venezolana en su cronograma de estrenos para 2016, que incluye tanto ficción como documentales, algunas de reciente filmación y otras que son promesa desde hace años.  Devuélveme la vida fue el primer estreno del año, está en cartelera desde el viernes. Su director es Alain Maiki, residenciado en Estados Unidos, quien rodó una historia que se desarrolla entre Miami y Los Ángeles protagonizada por William Goite, Henry Zakka, Nena Abdelnour, Mónica Pasqualotto, Luke Grande, Carlos Julio Molina “Trece”, Mercedes Brito y Dad Dáger.

Para el 19 de febrero está programado Cómo casarse antes de los 30 de Manuel Pifano, de quien además está previsto que se vea a partir del 5 de agosto Qué pea. También en febrero, pero el 26, será el debut de Allende en su laberinto, una coproducción filmada por Miguel Littin, uno de los cineastas más reconocidos en Chile por las nominaciones a la Palma de Oro del Festival de Cannes por las cintas Actas de Marusia (1976) y El recurso del método (1978). Recrea los últimos momentos del ex gobernante, derrocado por un golpe de Estado en septiembre de 1973.

Hay fechas que aún no están definidas. El cronograma puede ampliarse con la inclusión de El abrazo de la serpiente de Ciro Guerra, candidata al Oscar como Mejor Película Extranjera. Otra producción que aspiran a presentar este año es el documental El número 1, Renny Ottolina de Mariella Pérez Pérez, quien quería estrenar en marzo pero no han finiquitado aún el tema de los derechos de imágenes con Bolívar Films y la digitalización de parte del material, según el productor José Ernesto Martínez. “Ahora queremos estrenar el tercer trimestre del año. Tal vez en diciembre, cuando se celebre el Día del Locutor en Venezuela”, indica.

Aparte de las 26 películas anunciadas para 2016, el CNAC tiene otras 28 pendientes que podrían quedar para este año o los siguientes. Entre estas últimas está El irrigador de Milton Crespo, cuyo rodaje se terminó en enero de 1999, según la institución. En octubre de 2012, la página Aporrea difundió una carta firmada por el Frente de Trabajadores y Trabajadoras de Ávila TV, canal para el que pocos meses antes Crespo había sido designado como presidente, en la que pedían al entonces ministro de Comunicación e Información Ernesto Villegas investigar el financiamiento que el organismo cinematográfico otorgó para el filme. “Exigimos que se haga una investigación sobre este caso que a todas luces parece constituirse como un hecho de corrupción”, se lee en el texto. 

En el apartado de producciones pendientes no aparece Bambi C-4, una promesa desde hace más de cinco años que en Youtube aún se recuerda con un tráiler. El fallecido presidente Hugo Chávez fue uno de los impulsores del largometraje inspirado en Luis Posada Carriles.  Lo que sí es seguro es que la laureada Desde allá, con la que Lorenzo Vigas obtuvo en septiembre el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia, estará en las salas del país el 29 de abril.

De acuerdo con el cronograma también está previsto el estreno en los próximos meses de El show de Willi de Fernando Venturini, 4 esquinas de Jackson Gutiérrez, Azul como el cielo de Andrea Ríos y Tamara de Elia Schneider, quien espera que este trabajo basado en la vida de Tamara Adrián, interpretada por Luis Fernández, haga antes el recorrido por festivales internacionales y consiga algunos premios.

Un par de filmes de Román Chalbaud también están en la lista. Son Maisanta y La planta insolente. “Ambas se verán este año”, indica el director de Cuchillos de fuego y La gata borracha. En el cronograma se indica que será el 8 de abril cuando se podrá ver la primera.

Entre los documentales que se verán en 2016 están Cabrujas en el país del disimulo de Antonio Llerandi y Madame Cinema de Jonathan Reverón, este último sobre la cineasta Margot Benacerraf.  

Más de 1 millón de espectadores

El Centro Nacional de Cinematografía informó que las 31 películas venezolanas que se estrenaron el año pasado llevaron a las salas a más de 1 millón de personas. De acuerdo con cifras de la Asociación de la Industria del Cine, hasta el 31 de diciembre las más vistas fueron Hasta que la muerte nos separe de Abraham Pulido (154.461 espectadores), 3 bellezas de Carlos Caridad Montero (112.768) y El malquerido de Diego Rísquez (100.293). El laregometraje sobre Felipe Pirela, protagonizado por Jesús “Chino” Miranda, aún sigue en cartelera. En lo que va de 2016 suma más de 199.000 entradas vendidas.

El cuatrista venezolano Hernán Gamboa falleció a los 69 años de edad, durante la madrugada del domingo, 10 de enero en Argentina, según informan las redes sociales.

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El cuatrista venezolano Hernán Gamboa, reportan diversas redes sociales.

Gamboa, pionero del cuatro solista (Cortesía)

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• Hernán Gamboa: "Nada de qué arrepentirme"

ANA MARÍA HERNÁNDEZ G. |  EL UNIVERSAL

domingo 10 de enero de 2016  11:11 AM

El cuatrista venezolano Hernán Gamboa falleció a los 69 años de edad, durante la madrugada de hoy domingo, 10 de enero en Argentina, según informan las redes sociales.

Sus colegas venezolanos manifestaron su pesar. Al respecto, Cheo Hurtado comentó la noticia en su cuenta de Twitter @CHEOHURTADO: "Falleció Hernán Gamboa el cuatro de Venezuela". Igualmente, Jorge Glem, de C4Trío, @jorgeglem: "Falleció el gran maestro del cuatro solista Hernán Gamboa. El cuatro y el país se visten de negro. Gracias por tanto".

Otras personalidades que lamentaron vía Twitter el deceso del popular artista fueron Rolando Salazar -@RolandoSalazar "Falleció El Artista y Compositor Maestro del Cuatro Hernan Gamboa. Paz a sus restos"-, la periodista Mari Montes: "Leo que murió Hernán Gamboa, extraordinario cuatrista y compositor, un músico alegre y comprometido con Venezuela. Un honor su amistad"; y vía Facebook el compositor, productor e intérprete Alí Agüero: "Acabo de recibir la triste noticia del fallecimiento de Hernán Gamboa. Se esperaba este desenlace porque tenía tiempo malito. Nos dejas una gran vacio, pero tu Cuatro, tu Voz y tu alegría resonarán en nuestro recuerdo siempre. Te espera un gran recibimiento allá arriba!".

Gamboa nació en San Tomé (estado Anzoátegui) el 18 de junio de 1946. Perteneció a Serenata Guayanesa, desde la fundación del grupo, en 1971, hasta 1983, cuando fue sustituido por Miguel Ángel Bosch.

Al respecto, comentó Gamboa en una entrevista para Estampas: "Fue una experiencia extraordinaria. No te olvides que Serenata Guayanesa surge cuando desapareció el Quinteto Contrapunto y llenó ese vacío. Y para mí fue algo muy lindo desde el punto de vista de que nosotros dimos a conocer mucha música que estaba prácticamente extinguida. El mismo calipso de El Callao no se conocía hasta que lo grabamos nosotros... Estuve allí 15 años, pero me deslindé porque los objetivos que nos habíamos trazado ya se habían logrado: el primero, rescatar y difundir la música guayanesa; el segundo, rescatar y difundir música de Venezuela que estaba perdida; el tercero, hacer música para los niños; y el cuarto, el rescate del aguinaldo... Y luego llegó el momento en que quise involucrarme más en la internacionalización del cuatro y de mi proyecto personal con relación al cuatro, aunque tampoco voy a negar que sí hubo divergencias personales (con los otros integrantes del grupo), pero me siento satisfecho porque fue una experiencia muy positiva".

En 1992, Gamboa se residenció en Miami, buscando ayuda médica para uno de sus hijos. En esa ciudad estadounidense, enseñó música, aportó con el cuatro e incluso fundó un coro infantil para difundir la música venezolana.

En cuanto a su técnica instrumental, luego de los aportes de Jacinto Pérez y Fredy Reyna sobre el cuatro solista, Hernán Gamboa desarrolló la técnica de rasgapunteo, que consiste en hacer que la melodía y la armonía vayan conjuntamente, y no como suena en el caso de la guitarra clásica, instrumento que al poseer más cuerdas, puede elaborar una melodía punteada, apoyada en algunos acordes.

La técnica del rasgapunteo de Gamboa fue heredada por Cheo Hurtado -su ahijado- quien después ayudó en la proyección de nuevos y notables solistas del cuatro, gracias a su iniciativa La Siembra del Cuatro.

Hernan Gamboa - Fiesta en Elorza (Cuatro ... - YouTube

▶ 2:01

https://www.youtube.com/watch?v=7kG7uXP39C8

20 ene. 2008 - Subido por Gabriel Duarte Martinez

Hernan Gamboa, creador del "rasgapunteo" y uno de los principales cuatristas venezolanos interpretando la ...

David Bowie: La vida y la muerte como obras de arte

David Bowie: La vida y la muerte como obras de arte

El músico da su última lección de sabiduría escénica al fallecer a los dos días de publicar su último disco.

David Bowie

La Razón (Edición Impresa) / Nicolas Peña - Crítico de música

00:00 / 18 de enero de 2016

Había cumplido 69 años el viernes, y ese mismo día se presentó el vigésimo quinto álbum de una carrera que puede ser enmarcada en una sola palabra: genial. Nadie lo hubiese imaginado y solo quienes eran muy cercanos a él lo sabían, pero Blackstar era su despedida, su testamento, porque David Bowie murió dos días después, el domingo 10 de enero, a causa de un cáncer. Uno de los artistas más emblemáticos de la historia del rock, de los muy pocos que están en el círculo verdaderamente central. Lo que hizo podría considerarse un mutis audiovisual perfectamente sincronizado entre disco, cumpleaños y defunción, con el que ha dado a todos una bofetada y una gran lección de sabiduría escénica.

En uno de los temas de Blackstar, perfectamente titulado Lazarus, Bowie se sumerge en un remolino de inspiración y expiración con versos que no son otra cosa que un mensaje claro de su despedida: “Mira para aquí arriba, estoy en el paraíso / tengo cicatrices que no pueden ser vistas / tengo un drama que no puede ser robado / todos me conocen ahora / voy a ser libre / como ese pájaro / voy a ser libre / ¿no es ése mi modo?”. En el videoclip de este tema se puede sentir cómo Bowie se rinde a lo fugaz del tiempo individual y a la enfermedad, pero se niega a renunciar a la estética, ni siquiera en una solitaria cama de hospital. Un guiño final nos confirma su despedida y su convicción de que la broma es lo único serio en la vida, y de que solo queda hacer lo que sabemos hacer, aunque solo sea una canción más.

La trascendencia de Bowie no debe medirse solo en términos musicales a pesar de que haya sido la música lo que utilizó como medio de expresión que lo llevó a los confines más irreverentes de la creación. Todos lo conocemos como cantante y compositor, pero también fue actor, saxofonista, mimo, artista plástico, productor: un ícono del arte en general. Su música y su propuesta escénica fueron los detonantes del cambio en una sociedad que no se animaba a transgredir sus límites, anquilosándose en estéticas convencionales y permitiéndose tan solo pequeños deslices con los que adormecer la consciencia.

Desde muy temprano Bowie sabía que debería liberarse de David Robert Jones, un muchacho nacido el 8 de enero de 1947 al sur de Londres, y para ello asumió su nombre artístico. Intentó recorrer varios caminos transitando por el blues, el rock de Velvet Underground y algunas canciones hippies, todo ello amalgamado con la imagen de su ídolo, Mick Jagger. Hasta que un mágico día levantó la cabeza, miró las estrellas y en la inmensidad del firmamento recibió la inspiración para su álbum Space Oddity.

Publicaría The Man Who Sold The World en 1970, un disco en el que se presentaba acostado y luciendo un vestido, pero fue en su álbum Hunky Dory, de 1971, en el que su aspecto era ya definitivamente andrógino y su propuesta musical adquiría un estilo absolutamente personal. Formaba parte de esta grabación una de sus mejores canciones, en la que se preguntaba si existía vida en Marte. La combinación de androginia y espacio exterior produjo en 1972 su obra maestra: The Rise and Fall of Ziggy Stardust & The Spiders From Mars, ícono del glam rock en el que temas como Starman y Ziggy Stardust narran el recorrido de su alter ego, que termina con un perfecto punto aparte en el emblemático Rock’n’roll Suicide.

El mundo artístico se sorprendió con su cambio de aspecto en 1975, cuando pasó a la estética del soulman rubio y prolijo en el álbum Young Americans. Station to Station, su disco de 1976, nos presentaba a un personaje completamente diferente y fundamental en la galería de sus criaturas imaginarias: el elegante duque blanco. Arrancaban los 80, complicados para la historia del rock, en los que Bowie presentaría otro disco brillante, Scary Monsters para el que Robert Fripp, de King Crimson, volvía a resplandecer con su toque único en la guitarra. Bowie tuvo siempre el gran acierto de rodearse de los mejores.

Entre sus guitarristas estuvieron Ronson, Earl Slick, Carlos Alomar, Steve Ray Vaughan, Adrian Belew, Reeves Gabrels y otros. También en esta década vino el romance con el pop y las pistas de baile con Let’s Dance; y con la era de los videoclips, que le alejaron de su estilo más que nunca llevándolo a un abismo artístico.

Desde los reflejos más imperecederos de su obra pasada, en los 90 daba su aprobación a las nuevas tendencias, del acid jazz al jungle, y del rock alternativo al industrial. Su capacidad lúdica lo llevó a combinar estos estilos, como se sentía en Outside, del 95, y Earthling, del 97. El cambio de siglo no afectó un ápice su elegancia: sus álbumes Hours, Heathen y Reality confirmaron que estábamos frente a un artista completamente seguro de sí mismo y consciente de los nuevos tiempos.

Pero las enfermedades comenzaron a pasar la factura de los excesos, y la angioplastia que sufrió fue el inicio de su silencio y de los rumores sobre su retiro definitivo. Entonces, de repente, aparecido de la nada, Bowie volvió al ruedo con la canción Where Are We Now? e inmediatamente después su álbum The Next Day, en el que volvía a coquetear con su pasado. Finalmente llegaría Blackstar, con un quinteto de jazz.

¿Un quinteto de jazz acompañando al andrógino alienígena? Sí. Dicen los expertos en su vida y en su obra que a los 14 años Bowie dijo que no sabía si de adulto quería ser una estrella del rock o John Coltrane. También comentan que cuando vio por primera vez al saxo barítono Gerry Mulligan fue inmediatamente a comprar un saxofón y comenzar a estudiarlo. Cuando apareció el último video, con imágenes futuristas y mensaje surrealista, lo que más impresionó fue que el camaleónico Bowie ofrecía un rock con influencias jazzísticas.

Se escuchan formas de rock con la intensidad que unos músicos modernos de jazz pueden aportar a esa música. Resulta maravillosa la alquimia cuando ambos géneros se acercan. Lo que Bowie ofrece en Blackstar es rock tocado por músicos de jazz-rock. Son temas con estructura de canciones de rock, a los que los instrumentistas añaden un punto de improvisación, un algo de virtuosismo y un sabor a intelectualidad musical que es difícil encontrar en el rock. En el fondo, Bowie siempre tuvo ese don genial e impredecible que hace del jazz lo que es. Hasta siempre, Bowie.

David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947-Nueva York, 10 de enero de 2016),^3 4 más conocido por su nombre artístico David Bowie(AFI: [ˈboʊ.iː]),⁵ fue un músico y compositor británico, quien ejerció a su vez de actor, productor discográfico y arreglista. Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.^6 7

A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular».⁸ La relativamente corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.

Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo «Fame», coescrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul(término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul). El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low (1977), la primera de tres colaboraciones conBrian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el top 5 británico, además de recibir elogios de la crítica.

Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983Let's Dance, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendoblue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No salió de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se presentó en vivo desde 2006. Su más reciente disco Blackstar salió al mercado el 8 de enero de 2016, apenas tres días antes de su fallecimiento.

Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública».⁸ En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas derock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos

Blackstar: El testamento de David Bowie

Según el Daily Mirror su cuerpo fue cremado en Nueva York inmediatamente después de su muerte | Foto: EFE

El último álbum de la estrella refleja su sensación de ver la muerte cerca. Un adiós musical.

EL TIEMPO17 DE ENERO 2016 - 11:11 AM

Una de las últimas genialidades de la estrella de rock, David Bowie, es que dejó en evidencia la miopía de críticos musicales y medios que recibieron su disco con antelación, pero ninguno captó los mensajes que a lo largo de él eran demasiado obvios, no están escondidos: a veces repite “estoy muriendo” casi 15 veces en una misma canción.

‘Blackstar’ apareció en tiendas y plataformas digitales el pasado 8 de enero, y Bowie falleció de cáncer el 10, en la noche. Como un testimonio genial de este giro dramático, quedaron las reseñas que los periodistas escribieron antes de su muerte, imborrables en la era de internet.

Pero lo más impactante es que ‘Blackstar’ no es un disco póstumo: no llegó a las tiendas el pasado 8 de enero con esa intención (los distribuidores ni siquiera sabían que Bowie estaba enfermo de cáncer). Tampoco se trata de una edición forzada de canciones inéditas que la estrella tuviera guardadas, como suele pasar en casi todos los casos en que los artistas se acercan a su ocaso.

Se trata de un álbum pensado en su totalidad como algo completamente nuevo y que, como siempre fue la costumbre de Bowie, revolucionara el mundillo de la música. Su proceso de creación desde el punto cero comenzó al mismo tiempo que su batalla contra el cáncer.

La canción que le da título al disco tiene ese ingrediente sonoro que podría emparentarse con el ‘trip hop’ –sin casarse con esa etiqueta– pero atraviesa también los estilos que exploró en todas las décadas: hay algo de sus 70, de sus 80, de la década pasada...

Su letra y en sí, toda la canción, es su despedida, que ha sido traducida como el momento en que la estrella, el astro luminoso, se apaga. La letra lo dice todo, por momentos en tercera persona pero en el coro, en primera persona: “Algo pasó el día que él murió, su espíritu se levantó un metro y se hizo al lado, alguien más tomó su lugar, y lloró valientemente: ‘Soy una estrella negra, soy una estrella negra’ ”.

Es además la canción que cobra vida en el símbolo creado para la carátula del disco, la primera vez que el rostro de Bowie no aparece como primera impresión. Como si la estrella fuera la lápida (una virtual, porque Bowie fue cremado).

En otro corte, ‘Tis a Pity She Was a Whore’, hay una posible referencia a su enfermedad que nadie pudo haber imaginado hasta que se conoció la noticia: la canción comienza con un sonido de apenas tres segundos de lo que resulta ser la grabación de una respiración forzada, claramente producto de un padecimiento. Solo un artista de la talla de Bowie podría convertir tal sonido en parte de una canción.

Otra que muestra su genialidad es ‘Sue (Or in a Season of Crime)’, en la que se desata el saxofón que lo ha acompañado en muchos éxitos anteriores, y se va tejiendo un crecimiento progresivo –Bowie, de cierta forma, también hizo parte a distancia del rock progresivo–- que va escalando hasta un ritmo muy intenso de secuencias y sintetizadores hasta un punto en que toda la descarga sonora estalla en un silencio en el que solo se siente la energía de un amplificador conectado.

Esta es la única canción que ya tenía un ‘trasegar’ junto a Bowie: había sido un sencillo publicado en la compilación ‘Nothing Has Changed’ –‘Nada ha cambiado’, gran título para definir a Bowie–, de noviembre del 2014. Se supone que él supo de su enfermedad a mediados de ese año.

En ‘Dollar Days’, se regodeó en esa evidente forma de referirse de la muerte que pasó desapercibida: habla todo el tiempo de estar cayendo, o caminando hacia abajo: “no hay nada para mí, no hay nada que ver… Muero / trato / muero / trato”. No podría ser más obvio.

Cada corte muestra al artista en su faceta completa. Por ejemplo, ‘Girl Loves Me’, que no ha sido tan mentada, muestra la profundidad del Bowie cantante y compositor. En la instrumentación le colaboró James Murphy, de LCD Soundsystem.

En esas reflexiones que llegan con la despedida, Bowie canta ‘I can't Give Everything Away’ (‘No puedo dejar todo’), con una letra que debió surgir de lo más profundo de su ocaso: “Sé que hay algo que está muy mal, el pulso regresa a los hijos pródigos, los corazones del apagón con noticias floreadas, con diseños de calaveras en mis zapatos (…). Viendo más y sintiendo menos, diciendo no pero significando que sí, esto es todo lo que quise decir, es el mensaje que les envío”. ‘Blackstar’ es un testamento.

YouTube: "Lazarus", el último videoclip de David Bowie es ...

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elcomercio.pe/.../youtube-lazarus-ultimo-clip-david-bo...

hace 6 días

"Mira aquí arriba, estoy en el cielo", inicia David Bowie en su último videoclip publicado en YouTube. "Lazarus ...

David Bowie - Lazarus (sub-español) - YouTube

▶ 6:35

https://www.youtube.com/watch?v=3O4cQApzzvA

7 ene. 2016 - Subido por the kkk

Blackstar- álbum Director del video, Johan Renck: Uno sólo podía soñar con la colaboración con una mente como ...

‘Lazarus’, el sencillo con video que publicó el jueves 7 de enero (otra referencia demasiado obvia a su enfermedad), arranca con el sello de algo que él puede declararse como inventor: la guitarra al estilo ‘glam’ que Mick Ronson (fallecido en 1993) sembró en ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’. Pero luego toma elementos del jazz. Y al final no es ningún género en particular, excepto uno nuevo que lleve por nombre ‘bowie’.

Para alimentar todas las teorías alrededor de un símbolo como Bowie, ‘Lazarus’ resulta ser una referencia a Lázaro de Betania, el hombre que resucita por los milagros de Jesucristo. Muchos quieren ver la resurrección de otro Lázaro.

Blackstar

"Blackstar" fue producido por Tony Visconti, quien estuvo con David Bowie en 13 de sus álbumes en estudio, y lo acompañan entre otros músicos el saxofonista Donny McCaslin, el guitarrista Ben Monder, el pianista Jason Lindner, el percusionista Mark Guiliana y el bajista Tim Lefebvre. Colaboró James Murphy, de LCD Soundsystem. Todos conocían el secreto de la enfermedad que Bowie mantuvo por año y medio.